Jim Harrington [Bay Area News Group]: Ich habe euch bei Hybrid Theory gesehen und ich erinnere mich, dass ihr am Ende der Show, anstatt eine Zugabe zu spielen, wie bei der traditionellen Zugabe, in die Menge gesprungen seid und T-Shirts signiert habt. Und als ich gegangen bin, habt ihr immer noch T-Shirts signiert. Das war wirklich beeindruckend. Ich frage mich, ob ihr heutzutage mit den Fans interagiert. Ist das möglich? Und wenn ja, wie macht ihr das? Und vielleicht über soziale Medien? Oder was?
Chester Bennington: Nun, ich denke, für uns waren unsere Fans das Wichtigste, und als wir runtergingen und Sachen für die Leute signierten, entdeckten wir uns gegenseitig. Wir entdeckten unsere Fangemeinde, und die Fans entdeckten die Band, und das ist wirklich aufregend. Aber im Spiel kann man sich in eine Menge stürzen, die einen nicht kennt, und die ganze Nacht dort abhängen. Und heutzutage wäre das viel schwieriger. Es wäre viel schwieriger, das zu tun und die Sicherheit der Leute zu gewährleisten, oder es wäre praktisch unmöglich, für jede Person, die im Stadion bleibt, ein T-Shirt zu finden, zum Beispiel.
Als wir unsere Musik und so spielten, kam unser Produktionsleiter auf die Band zu und sagte: „Hey, Leute. Wir wissen wirklich zu schätzen, was ihr macht. Es ist großartig. Aber ihr macht das jeden Abend, aber wir sind seit ungefähr vier Tagen zu spät hier rausgekommen und müssen eine außerordentlich hohe Summe Geld dafür zahlen. Könnt ihr also damit aufhören?“
Michael Shinoda: Ich erinnere mich anders daran. Ich dachte, es lag daran, dass sie sagten, erstens, wir bleiben wirklich lange und die Crew wird müde, weil ihr das Ende der Show so weit hinauszögert und so weiter. Die Crew wird müde, weil sie die Absperrung abbauen wollen; und die Sicherheitsleute des örtlichen Veranstaltungsortes sagten, das ist vorbei. Ihr müsst diese Leute hier rausholen und so. Und dann ließen sich die Leute Sachen signieren und gingen einfach nicht. Sie blieben einfach, um abzuhängen und so. Und es hieß: „Okay. Ihr habt viel zu viele Leute, die hier einfach nur rumhängen. Ihr müsst damit aufhören. Ihr müsst damit aufhören.“
Chester Bennington: Ja. Es war buchstäblich so, als ob sie sagten: „Wir können unsere Arbeit nicht machen, weil ihr mit den Fans rumhängt.“ Und so mussten wir uns im Grunde eine neue Art einfallen lassen, das zu tun. Und so haben wir jeden Abend, bei jedem Auftritt, den wir je gemacht haben, Meet-and-Greets mit unseren Fans gemacht. Für uns ist es ehrlich gesagt ziemlich entspannt, unsere Fans zu treffen. Wenn wir also in unserem täglichen Leben auf der Straße sind, treffen wir ständig, jeden Tag, Leute, die Fans sind, und es ist uns wirklich wichtig, bis zu einem gewissen Grad erreichbar zu sein. Wir konnten glücklicherweise unser Privatleben privat halten und unser Berufsleben mit unseren Fans teilen, und alle haben das alles sehr respektvoll behandelt. Und es ist wirklich cool, dabei zu sein. Linkin Park und gleichzeitig ein ganz normaler Mensch zu sein. Ich schätze das an unseren Fans und es macht es viel einfacher, so offen wie möglich mit unseren Fans umzugehen.
Matt Bishop [Rock Revival]: Also, ihr habt vorhin kurz über die Bühne, die Produktion und so weiter gesprochen, aber ich schaue mir gerade das Video an für Letzte Maskerade und es ist einfach visuell atemberaubend. Und ich habe mich gefragt, ob Sie etwas mehr auf das visuelle Element der Bühnenproduktion und die Umsetzung Ihrer Videos und so weiter in die Live-Performance eingehen könnten und was die Fans von Ihrer visuellen Präsenz auf dieser Tour erwarten können.
Mike Shinoda: Zunächst einmal ist es wichtig, dass die visuellen Elemente auf Die Jagdgesellschaft basierten auf einer Handvoll Zeichnungen und Kunstwerken eines unglaublichen Malers namens James Jean. James … ich weiß gar nicht, wo ich anfangen soll, wenn es darum geht, wie wichtig oder unglaublich dieser Typ ist. Sie können ihn selbst nachschlagen. Joe [Hahn] ist mit James befreundet. James hat eine Menge Sachen für uns gezeichnet. Im Gespräch mit ihm wollten wir etwas tun, was noch nie zuvor mit seinen Kunstwerken gemacht wurde, und kamen auf die Idee, sie in eine echte 3D-Skulptur umzuwandeln, jedes Stück in eine 3D-Skulptur. Obwohl die Skulpturen im Computer leben, existieren sie physisch noch nicht, vielleicht werden sie das eines Tages tun, aber zu diesem Zeitpunkt haben wir sie in 3D-Kunst gerendert. Unsere fantastische Gruppe bei Ghost Town hat diese Renderings mit James erstellt und diese bildeten dann die grundlegende Basis des Artworks für das Album. Und dieses Zeug finden Sie auf den T-Shirts, der Website und Sie finden es auch in den Live-Visuals. Und dann ist es nicht genug, das Zeug einfach da hochzuwerfen. Ich meine, das kann man, aber es ist wunderschön. Aber ich denke, im Kontext einer Live-Show ist es wirklich wichtig, etwas zu haben, das mit der Show lebt und atmet. Und bis zu einem gewissen Grad war eine der Herausforderungen, die ich dem Produktionsteam stellte, dass ich, basierend auf dem, was wir jeden Abend mit der Show machen, wenn wir uns entscheiden, etwas anders zu spielen und wenn wir uns entscheiden, den Teil zu erweitern oder was auch immer wir tun wollen, möchte, dass sich das Artwork mit der Aufführung ändert. Es muss also formbar sein, und hier beginnen die wirklichen Produktionsherausforderungen. Ohne ins Detail zu gehen – und tatsächlich kenne ich mich mit dem technischen Zeug nicht wirklich aus – kann ich ihnen einfach sagen: „Das sind die Ideen“, und dann haben wir zum Glück ein hervorragendes Produktionsteam, das das umsetzen kann. Und die Jungs von Ghost Town, die Jungs, die mit dem Rendern des Materials in 3D beschäftigt sind, waren, wie auch Joe, eng in die Erstellung dieser Tour-Visuals eingebunden. Ich denke, es ist wirklich großartig geworden. Ich werde keine Überraschungen verraten, was das LED-Zeug angeht – worauf es tatsächlich präsentiert wird oder wie das Zeug tatsächlich aussieht. Sie müssen zur Show kommen, um das Zeug zu sehen. Aber wie ich schon sagte, es passt sich der Show an und die Show ist ein fortlaufender Prozess; wir verändern uns – wir verändern die Dinge normalerweise ständig von Show zu Show, und von Tour zu Tour kann es dann einige größere Veränderungen geben. Aber ja, wir nehmen die Live-Show ernst. Sie ist in gewisser Hinsicht genauso ein Kunstwerk wie die Musik, also wollen wir, dass sie fesselnd ist und zur allgemeinen Ästhetik dessen passt, was die Band gerade vorhat.
Gary Graff [Oakland Press]: Erzählen Sie uns ein wenig von Ihren Tourpartnern; in welcher Beziehung Sie zu 30 Seconds to Mars stehen, warum das gut zusammenpasst und wer von Ihnen vorhat, Jared während der Tour irgendwie den Oscar zu stehlen.
Chester Bennington: [lacht] Ich denke, größtenteils ist die Beziehung eher eine professionelle. Ich meine, ich bin seit ein paar Jahren mit Jared befreundet – eigentlich schon viel länger, also sind wir ziemlich freundschaftlich. Aber insgesamt ist es nicht so, dass wir alle zusammen Geburtstagspartys feiern oder so.
Unser gegenseitiger Respekt beruht auf einer professionellen Ebene und ich weiß, dass wir unserer Fangemeinde schon seit sehr langer Zeit sehr nahe stehen, Fragen stellen und sehen, mit wem sie uns auf Tour sehen wollen, und das war wirklich interessant, aber jedes Mal – ich glaube, fünf oder sechs Mal in Folge war 30 Seconds to Mars entweder die beliebteste Band, mit der sie uns auf Tour sehen wollten, oder die Nummer zwei. Ich habe sie nie unter den ersten drei gesehen. Die Fans wollten uns also schon lange zusammen auf Tour sehen. Deshalb denke ich, dass 30 Seconds to Mars in den letzten Jahren nicht nur enorm zu einer großartigen Studioband geworden ist, die großartige Songs schreibt, sondern auch live großartig ist. Und so freuen sich unsere Fans jetzt wirklich darauf, uns mit 30 Seconds to Mars spielen zu sehen. Und wenn ich das [über AFI] sagen darf: Ich weiß nicht, ob ihr euch ihre neueste Platte anhört, aber sie ist großartig. Und sie sind eine weitere Band, die nicht nur aus großartigen Typen besteht, sondern auch eine fantastische Platte nach der anderen herausbringt und auch für ihre Live-Shows bekannt ist. Das ist also eigentlich eine einfache, selbstverständliche Sache. Zum Glück war das einer der Momente, in denen wir sagten: „Hey, lasst uns 30 Seconds to Mars und AFI fragen, ob sie mit uns auf Tour gehen wollen.“ Und beide sagten gleichzeitig „Ja“. Es hat also alles wirklich gut geklappt.
Steve Rosen [Ultimate Guitar]: Mike, ich habe mit großem Interesse zugehört, was Sie im Film Distortion of Sound gesagt haben. Wir haben hier über die Schichten der Platte und die Komplexität der analogen Aufnahme gesprochen. Es braucht offensichtlich Zeit, um diese wunderbaren Gitarren- und Gesangsklänge zu bekommen, und dann, wie Sie im Film erwähnt haben, Mike, über die Leute, die das als MP3 herunterladen und über Ohrhörer und Computerlautsprecher hören. Wie rationalisieren Sie diese Balance, wenn Sie die schönsten Audioklänge erzeugen wollen und wissen, dass die Leute rausgehen und sich das Zeug anhören und dabei vielleicht die Hälfte von dem verpassen, was Sie tun?
Mike Shinoda: Ich glaube, Sie kennen unsere Band. Sie wissen, dass wir alle ziemliche Perfektionisten sind, im Guten wie im Schlechten. Nur um Ihnen einen Eindruck von dem Gespräch zu vermitteln und davon, was Sie mit Distortion of Sound meinten: Mir ist gerade eingefallen, als wir mit den Leuten sprachen, die die Dokumentation machen, und so weiter, dass es in der Dokumentation darum geht, dass wir eigentlich so ziemlich alles, was jeder hört, wenn er Musik hört, so ziemlich jedes Mal, wenn wir das tun, in einer geringeren Qualität hören, normalerweise in einer viel geringeren Qualität, als die Künstler es aufgenommen haben. Und dass das, was gehört werden sollte, weitgehend verloren geht. Es ist derselbe Unterschied, als wenn ich Ihnen von meinem Telefon aus ein sehr kleines Bild schicke. Wenn Sie versuchen, eines zu senden, wird gefragt: „Möchten Sie es klein, mittel, groß oder in Originalgröße senden?“, oder zumindest, wenn ich es von meinem Telefon aus sende. Wenn Sie es klein senden, ist es wie dieses seltsame, miese kleine Ding mit niedriger Auflösung. Und wenn Sie es groß oder in Originalgröße senden, erhalten Sie etwas, das Ihnen wirklich gefällt; Sie sehen es, Sie können es ausdrucken und so weiter. Und was wir uns aus Audioperspektive antun, ist, dass wir immer die kleine Version hören. Den meisten Leuten ist das gar nicht bewusst, und mir ist aufgefallen, dass wir das alle einfach tun und nicht einmal zweimal darüber nachdenken. Also, das Gespräch – einfach die Idee, die an die Öffentlichkeit gelangen sollte, und die Leute sollten sich dessen bewusst sein, dass sie das tun, zumindest wenn sie die Entscheidung bewusst treffen, denn das ist etwas anderes, als es zu tun und es nicht besser zu wissen. Um das ins rechte Licht zu rücken: Wenn wir im Studio sind, arbeiten wir im Durchschnitt neun Monate, neun Monate an einem Album. Bei diesem Album haben wir einen großen Teil auf Band aufgenommen, was eine höhere Qualität hat als praktisch alles, was man bekommen kann, selbst eine FLAC-Datei hat nicht die Qualität einer analogen Aufnahme.
Und das liegt daran, dass der Computer das Audio im Grunde mit der höchstmöglichen Auflösung interpretiert. Als wir das Material auf Band aufgenommen haben, haben wir es dann auf den Computer übertragen, da ein Großteil des Prozesses damit verbunden war, es in das Dateiformat zu bringen, das Sie sich am Ende anhören werden. Irgendwann muss es in den Computer, also haben wir uns entschieden, die Auflösung unserer Dateien beim Import zu verdoppeln. Die Auflösung des eigentlichen Audios ist also wirklich, wirklich, wirklich hoch. Jedes Mal, wenn Sie diese verringern, zum Beispiel von 96 auf 48, nimmt es nur noch halb so viele Informationen auf. Das sind also nur halb so viele Informationen, nur weil Sie vergessen haben, umzuschalten oder die Einstellung zu ändern. Das sind also die Grenzen, die wir gegangen sind – oder das ist die Idee der Grenzen, die wir gegangen sind, um eine hohe Audioqualität sicherzustellen. Und dann die Vorstellung, dass jemand das auf YouTube einschaltet und es sich mit beschissenen Ohrstöpseln anhört, ist irgendwie so, als würde man viele dieser Informationen verpassen und nebenbei auch kleine Entscheidungen, die wir dabei treffen. Der springende Punkt ist, dass die Leute es sowieso tun werden. Ich mache es manchmal selbst. Ich mache es bewusst. Ich entscheide mich auch bewusst dafür, Sachen mit höherer Klangtreue zu hören, und wir sollten uns einfach darüber im Klaren sein, dass das passiert. Wenn man sich das anhört – die anderen Leute bei Harmon haben zum Beispiel einen Blindtest mit zufällig ausgewählten Fans und zufällig ausgewählter Musik und so weiter und unterschiedlichen Audioqualitäten gemacht und sie haben buchstäblich, physisch festgestellt, dass es, ich weiß nicht mehr, was es war – eine 150- oder 125-prozentige Zunahme beim Kopfnicken gab, die Leute haben einfach mit dem Kopf genickt, weil sie die Audioqualität verbessert haben, haben die Leute mehr mit dem Kopf genickt. Ich meine, das ist Musikgenuss. Verstehen Sie, was ich meine? Wenn Sie sich das nehmen, wenn Sie sich nicht erlauben, Ihre eigene Musik zu genießen, und wenn Ihnen Ihre Musik wichtig ist, dann möchten Sie natürlich das beste Erlebnis haben.
Steve Rosen: Cool. Und, Mike, nur eine kurze Anschlussfrage. Ich frage mich, wie Sie und Brad die Gitarrenparts planen und die Tracks ausarbeiten, solche Sachen?
Mike Shinoda: Normalerweise übernehme ich einfach den einfacheren Part, weil er, um es ganz einfach auszudrücken, ein besserer Gitarrist ist. Ich meine, manchmal kommen wir zu Sachen, die wir beide gut spielen können, und wir wählen einfach das, was besser klingt. Oder manchmal, vielleicht muss ich auch singen und das sieht besser aus, wenn ich singe und diesen Part spiele. Aus Sicht der Präsentation sage ich nicht, dass ich mich von meiner besten Seite zeigen muss. Ich sage, wenn das Publikum da ist, um mir beim Leadsingen eines Songs zuzuschauen, und ich Schwierigkeiten habe – wenn ich mich also wirklich darauf konzentrieren muss, etwas zu spielen, und ich den Song nicht rüberbringen und unterhaltsam machen kann, dann bitte ich Brad, die Parts mit mir zu tauschen. Eine lustige Sache: Auf dem Song Wasteland gibt es zwei Gitarrenparts. Eine davon ist die Hauptstimme, die man wirklich hört, und die andere hat eine Struktur, also einen höheren Ton. Wir probten das und ich spielte den Rhythmus, also den, den ich normalerweise spiele, und ich spiele und spiele die Refrains und dachte mir: „Herrgott, das ist so viel Arbeit. Es ist so viel Bewegung.“ Und wir hatten es den ganzen Tag gemacht und so und arbeiteten daran, und ich schrieb diesen Teil, also wusste ich, wie es ging. Es gibt einfach viel zu tun, während ich versuche, die Rap-Parts und so hinzubekommen. Und ich sagte zu Brad: „Als ich reinkam, war dieser Teil verrückt. Also, was spielst du?“ Ich überlege nur, ob wir vielleicht tauschen sollten. Und er hatte die ganze Zeit kein Wort gesagt; er ließ mich einfach mein Ding machen. Und er zeigte mir, was er spielte. Ich spiele, also, meine Hände sind überall auf dem Griffbrett. Er spielt buchstäblich „nee, nee, nee“ auf einer Note. Es waren nur zwei Saiten. Einfach das einfachste Basic; so als wäre es dein erster Gitarrenpart, den du je gelernt hast. So einfach ist das. Und ich sage: „Alter, du bist ein Arschloch, weil du nicht einfach eingreifst und sagst: ‚Hey, was hältst du davon, wenn wir die Parts tauschen?‘“
Travis Failey [CBS Radio]: Ich wollte mich nur bedanken, dass Sie unseren Anruf entgegengenommen haben. Und Sie spielen am Samstag im Steinbrenner Field, das hier in Tampa viele Jahre lang auch Legends Field hieß. Wissen Sie, dass es hier seit 1996 kein Konzert mehr gegeben hat und dass Sie die ersten seither sein werden?
Mike Shinoda: Ich glaube nicht, dass ich das wusste. Ich glaube nicht, dass ich das wusste. Wenn mir das jemand erzählt hat, habe ich es irgendwie geschafft, es zu vergessen. Das ist unglaublich. Danke.
Mike Shinoda: Gehen wir zur Arbeit … also, ist der Strom an?
Travis Failey: Der Strom wird eingeschaltet sein, denn die Yankees spielen dort. Alle großen Yankees kommen und gehen viele, viele Jahre lang dort, also denke ich, dass Sie es, gelinde gesagt, als interessanten Veranstaltungsort empfinden werden.
Mike Shinoda: Oh, sehr cool.
Travis Failey: Auf jeden Fall. Also, während ihr unterwegs seid, ist irgendjemand von euch in der Band ein Sportfan?
Mike Shinoda: Ja. Ich meine, verschiedene Typen, verschiedene Sportarten und verschiedene Abschlüsse. Es ist also irgendwie alles durcheinander.
Chester Bennington: Ich schaue mir wahrscheinlich die Hälfte meiner Fernsehzeit Sports Center an. Einfach, weil ich im Hintergrund Leute über Sport reden hören möchte. Das ist wahrscheinlich die extremste Version des Sportendes der Band. Die schlimmste Zeit meines Jahres ist zwischen dem Ende des Basketballs und dem Beginn des Footballs. Das nenne ich „die Leere“. Ich streiche das einfach in meinem Kalender und dann einfach alle anderen Monate.
Travis Failey: Ihr habt gerade ein Video mit XBox und Team Dakota gemacht. Könnt ihr euch vorstellen, in Zukunft wieder mit ihnen zusammenzuarbeiten und etwas so Außergewöhnliches zu machen?
Mike Shinoda: Ich meine, wir lieben Gaming. Ich meine, im Moment haben wir bei unserer Arbeit und bei dem, was wir tun, nicht so viele Gelegenheiten zu spielen, zum Beispiel ein Konsolenspiel. Meistens ist es mobil. Aber wenn ich die Chance hätte, würde ich gerne eine Woche frei haben, nur um Videospiele zu spielen. Aber wir haben viele wirklich lustige Erfahrungen gemacht, zum Beispiel mit Spielen, unsere eigenen Spiele gemacht. Wir haben zum Beispiel gerade ein Spiel auf Facebook namens „LP Recharge“. Tatsächlich ist es auf lprecharge.com zu finden. Und wir haben Apps und solche Sachen gemacht und wir haben mit Gruppen, Unternehmen wie EA gearbeitet, mit Castle of Glass gearbeitet. Wir haben mit der Medal of Honor-Reihe gearbeitet. Also, ich denke, es wird hoffentlich noch mehr geben, wir haben einige großartige Beziehungen zu all den Leuten und ich würde gerne mehr in der Gaming-Welt machen. Es ist einfach – dort sind unsere Fans. Es ist etwas, das wir gerne machen und es passt wirklich natürlich zu unserer Band.
